人像描繪在當代藝術中的沒落

　　自古以來，人的描繪都被看作是藝術的一種基礎元素。但當我走在最新一屆的邁阿密海灘巴塞爾藝術展(Art Basel Miami Beach，以下簡稱ABMB)中時，展出作品中對人像描繪的邊緣化讓我深受打擊。

　　隨著關注重點從完美的身體上的轉移，藝術家通常會依靠受歡迎的名人來描繪“人形”理想化的概念——盡管我認為這樣的策略簡直是為懶惰找的借口。他們并沒有努力克服美的理想狀態，也沒有觸動當代文化中有時候引發了爭議的身份政治的議題，而是在暗示意義的安全性中尋找庇護而不是再現。在ABMB中處理了人形問題的往往是帶有非洲血統的藝術家——對此我毫不感到意外——比如漢克·威利斯·托馬斯(Hank Willis Thomas)，他的作品通常處理了媒體中非裔美國人的肖像以及那些觀念如何隨著時間產生變化。他在Jack Shainman畫廊展出的作品“Baron of the Crossroads”便是對不斷變化的背景所做的合適的評價。這是一件意義深刻的作品，當你站在其正面看它時它會呈現出模糊不清的樣子，而當你與它的垂直方向形成一個角度再去看時它又會變得清晰;它玩弄了你對應該怎樣看一件作品、直接看某件作品意味著什么的固有想法。Jack Shainman畫廊還展出了剛獲得本屆“未來世代藝術獎”的藝術家Lynette Yiadom-Boakye的作品。她的黑人女性人像幾乎與畫布背景融為了一體，因而從某些角度看上去她們像是消失了一樣——更好地說是像是用輪廓表現出來的一樣。

　　我注意到的另一個現象是少數直接描繪了人物的畫作都是由較老的藝術家創作的，比如查克·克洛斯(Chuck Close)、愛麗絲·尼爾(Alice Neel)、梅爾·拉莫斯(Mel Ramos)、杜安·漢森(Duane Hansen)以及菲利普·佩爾斯坦(Philip Pearlstein)等;他們往往是在數十年前創作出這些作品的，而年代稍近的作品也基本上是他們在這一代之前開始的系列作品的延續。但這都不是說人像已經徹底地從ABMB中消失了。諸如Yinke Shonibare、Leigh Ledare和杰克(Jack Early)等藝術家仍在以自己的方式來處理這些人像。比如Yinke Shonibare的作品似乎是利用了人體模型來對人像進行枯燥的描述，而Leigh Ledare和杰克(Jack Early)則利用了攝影圖像進行創作，暗示照片已經掌控(或者說是壟斷?)了我們對人體的理解。

　　我不認為整場展會沒有一件關于人像的原始的作品。我想說的是某些藝術家正在利用他們自己對身體的描繪來做一些有意思的作品。高松次郎(Jiro Takamatsu)、Os Gemeos、馬庫斯·旬瓦爾德(Markus Schinwald)這三位藝術家為找到新的方向提供了一些希望——即使他們的理念還沒能完全發展起來。高松次郎(Jiro Takamatsu)美麗的影子繪畫是令人興奮的，它們在不帶文化特定性的情況下暗示了人體。它們會讓人聯想到李·弗里德蘭德(Lee Friedlander)及馬文·E·紐曼(Marvin E. Newman)的作品，但又超越了后者所表現的東西。雙胞胎街頭藝術家Os Gemeos仍然在作品中使用了他們一貫會用到的人像。如果說他們用顏料繪制的人像缺乏各種不同的面部情緒的話——這是其作品的一個“怪癖”——但它們的身體卻往往與五彩斑斕的背景形成了鮮明的對比。在作品“Untitled”(2012)中，數個人像結合在一起形成了一只雙頭動物，看不出來它是想要向左還是向右走。馬文·E·紐曼(Marvin E. Newman)的作品“Untitled(legs)#29”(2011)可能是超越了任何簡單的表現而又能讓人聯想到人體的最古怪的作品，它看起來似乎是利用家具腿制作而成的——或者至少是以其為基礎的。這件生動的作品被夾在兩面墻之間，你幾乎可以感受到那種結實的大腿被卡在某處、無法上爬或下落到任何地方的肌肉的掙扎。

　　在一場以色彩斑斕的抽象作品、大型的攝影作品、可反射的作品(通常還帶有文字)以及具有高度設計感的作品為主導的藝術展中，人像不在像曾經那樣占據著這個藝術界的中心位置了。畫家和雕塑家很早就放棄了身體的領域，將其“轉讓”給攝影師和視頻制作者尋找新的邊界，正如19世紀的畫家在光學和其它表現“真實”的方式中尋找創新一樣。我一方面希望人體能夠再次出現在當代藝術的中心位置上，而另一方面卻又知道那艘船已經沉沒了，只剩下我們所有的人站在碼頭，透過生活中雜亂的意識看向那個世界。

提示：如注明原創稿件，未經允許請勿以任何形式轉載，違者追究法律責任。